Michaël DelaunoyNon. Ce sont deux activités différentes. J’ai l’habitude de dire que la mise en scène, c’est un métier, pour moi en tout cas, et que la direction, c’est une fonction. Je peux difficilement imaginer ma vie sans la mise en scène, c’est une activité artistique donc c’est quelque chose de très intime. Par contre, je peux envisager ma vie sans la direction et heureusement parce que je vais quitter la direction du Rideau. Mais il est vrai que pendant longtemps, on a cru qu’un metteur en scène ou une metteuse en scène pouvait devenir directeur·ice, que c’était un peu, finalement, les mêmes compétences. Je précise «metteur en scène» ou «metteuse en scène» parce que c’est le plus souvent cette catégorie d’artistes qui accèdent à la direction, on pourrait aussi parler d’un acteur, d’une actrice, ou d’un auteur, d’une autrice. Pendant longtemps, on a considéré qu’à partir du moment où un metteur en scène avait de l’énergie, du charisme, une force de conviction, il lui serait facile de diriger un lieu. Mais diriger un lieu est devenu de plus en plus complexe, notamment en ce qui concerne la gestion administrative et financière, les modes de production, les principes de co-productions, le tax shelter…

Non, je ne crois pas que ça doive nécessairement être des artistes, je pense qu’il y a des directeur·ices qui ne sont pas artistes et qui sont excellent·es dans cette fonction et qu’il y a des artistes qui sont des mauvais directeurs ou des mauvaises directrices. Mais je pense qu’il est important que dans un certain nombre de lieux, des artistes continuent à prendre cette responsabilité-là. Parce que sinon on va vers une profession à deux vitesses, avec d’un côté des lieux avec une équipe permanente, des gens qui travaillent en CDI, et de l’autre côté des compagnies qui sont extrêmement précarisées, parce qu’elles sont sous-financées, que les gens ne sont pas engagés pour tout le travail qu’ils font, qu’ils ne sont pas rémunérés correctement. Cette dichotomie peut être dommageable à la profession dans son ensemble.

Pas nécessairement mais il faut un certain sens politique, c’est-à-dire qu’il faut un sens stratégique. Quand on négocie un contrat-programme avec les pouvoirs publics, quand on va chercher des moyens, quand on va devant la presse pour défendre un projet, il y a quelque chose du politique au sens noble du terme, parce que le théâtre est toujours politique. Le théâtre c’est un espace où on rassemble des gens autour d’une parole, d’une proposition artistique ou autour d’une thématique. Pour moi, le terme de stratégie n’est absolument pas péjoratif, au contraire.

Pour être tout à fait honnête, je dirais que depuis que je suis directeur, il me manque parfois des espaces suffisants de rêverie dans mon travail artistique. Pour nourrir son travail artistique, il est très important de faire le vide et de se laisser traverser par différentes choses. Or, le métier de directeur de théâtre fait qu’on est tout le temps en action. Je pense qu’il y a des moments pour l’action, et d’autres pour la réflexion, voire pour la méditation, et c’est très complexe d’articuler les deux à un poste de direction. C’est quelque chose qui m’a manqué, j’ai hâte de le retrouver en quittant la direction du théâtre, même si je sais que les choses vont être plus difficiles sur d’autres plans…

Dans mon contrat, je pouvais faire jusqu’à six créations en cinq ans. Mais j’en ai fait en moyenne trois sur cinq ans. J’aurais voulu en faire davantage mais la direction prend tellement de temps que je ne pouvais pas faire une création par saison. J’ai aussi souvent repris des spectacles. C’est devenu difficile alors qu’avant, un metteur en scène directeur de théâtre faisait souvent une création par saison.

Je ne le regrette pas dans la mesure où je sais que ce n’était pas possible et que si j’avais fait ça je l’aurais mal fait, donc voilà.

Ce sont des grandes questions! C’est effectivement beaucoup plus difficile aujourd’hui. Mais quand j’ai commencé, nos ainés nous disaient que c’était beaucoup plus facile avant, donc voilà, c’est de pire en pire visiblement! Par exemple, quand l’Atelier 210 a ouvert, on leur a dit: «Vous êtes fous!».
Il y a le ZUT qui s’est ouvert aussi à un moment donné, qui n’a par contre pas réussi à avoir un relai en termes de subvention tandis que le 210 y est parvenu. Donc je ne peux pas décourager des jeunes à ouvrir un nouveau lieu, à partir du moment où les lieux existants n’ouvrent pas toujours suffisamment leurs portes. Si on a envie de créer, si on ne trouve pas d’espace, on crée son propre espace et d’une certaine façon le théâtre l’a toujours fait, le théâtre peut se faire partout. Le conseil que je peux vous donner, c’est de vous fédérer afin d’essayer d’exercer une pression, de travailler à ouvrir les institutions et à augmenter les aides, etc. Je pense que c’est très important de toujours se mettre à plusieurs. Je crois très fort au travail des fédérations, c’est l’histoire des luttes sociales. Que des jeunes qui sortent des écoles s’emparent de ces questions, ça me semble important.